導演：顧長衛
主演：張靜初、馮瓅、呂玉來
2009-11-26
2009-11-21
《我們》
《我們》
演出時間：2008/11/21(六)2:30p.m.
演出地點：皇冠藝文中心小劇場
演出劇團：可以演戲劇團
主演/導演：黃士偉、謝宜靜
又是一齣戲，讓我在劇場裡哭得唏哩嘩啦、久久不能自己…
故事的發生，在一對異卵雙胞胎姐弟身上，整齣劇場景都在一間充滿回憶的老房子的陽台上，從姊姊的回憶開始，回溯到他們要一起慶祝40歲生日那天。
從小因為家庭因素，父母親離異、隨後父親自殺、母親得癌症…為了逃離這個家庭帶來的沉重回憶，姊姊選擇隻身到法國念書，留下念舊、完美主義的弟弟獨自一個人守著老家照顧母親 。在她39歲生日前夕，正好歷經分手、失業，甚至窮到連買機票回台灣的錢都沒有，徘徊在生命的谷底，就在她興起自殺念頭並準備付諸實行的當下，這世上唯一的牽絆—-弟弟出現在法國街頭，將她帶回台灣。一年過去，兩人相約要一起在老家陽台上度過他們的40歲生日，而弟弟在這天宣布了一個決定，他想結束自己的生命，動機很單純：「活到這裡，我覺得已經夠了…」於是，姐弟倆展開了一場生與死的激辯。
過程中，除了嚴肅的生死命題，也揭露了許多現代人生命中的無奈和矛盾。既然覺得已經活夠了，日復一日不變的常態只剩無意義，何必非得要再繼續下去。身為一個人難道不能擁有對自我生命的掌控權？但，當最親愛的人選擇自殺時，被留下的人該如何釋懷？如果要求人保留生命的目的在於減輕自己的傷痛和罪惡感，這不也是個「殘忍」的要求嗎？在劇中有句對白，士偉：「有病又怎樣？帶我去看醫生，他們就會說我憂鬱症，然後塞給我百憂解。好像人不該不快樂似的…」的確，人連擁有負面的、不快樂的情緒思想都會被剝奪。劇中簡單深刻的對白，加上演員精湛的詮釋，恰到好處適時的幽默、人與人之間溫暖的情感、情緒失控的歇斯底里…在小劇場的空間裡，觀眾們不只是欣賞，同時也參與這場辯證的過程，相信每個人的答案都不同，有趣的是永遠不會有正確答案。
附上主題曲：
<晚安> 作曲：冉天豪
作詞：姜富琴、黃士偉
在天空 等待風
風來了 風起了
可以飛了 順著風
飛到更高的天空
星星晚安 月亮晚安
愛情晚安 快樂晚安
煩惱晚安 悲傷晚安
寶貝晚安 大家晚安
大概在劇情進行到三分之一處，當士偉講出：「已經夠了…」並試圖解釋其動機時，我的眼淚就開始在眼眶中打轉(之後的情形就是一下子哭一下子笑)，因為完全能理解那種感受…對我來說，這種既陌生又最貼近你我生活的劇本，最令人難以招架了。討厭的是通通都清楚的分析出來，無形中感動就打了折扣，但還好，裡面有太多東西是說不清楚的，那就留給自己，好好的在心裡收起來就夠了。
p.s.因為場地關係，觀眾們其實離演員很近，可以很直接的接收到演員釋放出來的情緒，連臉上的淚痕都清晰可見...這種衝擊實在是太大了= =
2009-11-05
梨園傳奇《寂寞沙洲冷─問樵鬧府‧打棍出箱》
劇名：梨園傳奇《寂寞沙洲冷─問樵鬧府‧打棍出箱》
演出時間：2009/11/05(四) 7:30p.m
演出地點：國家戲劇院
劇團：當代傳奇劇場
主演：吳興國、林朝緒
在開始我的外行人心得之前，想先引述一段話：「很多不懂『梅尚程荀』甚至分不清西皮、二黃的人居然都寫起劇評來了，這些外行人可以完全不評他們所不懂的唱腔身段，但他們可以從心理學的立場來分析人物性格，可以拿西方戲劇理論來討論結構布局，甚至還可以作文大談京劇的舞台設計、燈光運用。無可否認的，這些觀點中充滿了對京劇的『無知』，但從另一角度來看，這卻是所有關心藝文之人在對京劇的現代化作出集思廣益的智慧貢獻。」(王安祈1996：95)
其寫作背景是在台灣70、80年代時，傳統京劇正面臨逐漸式微、京劇現代化濫觴之際，經過多年來各界人士的努力，如今我們才有辦法坐在台下觀賞一幕幕精彩的戲曲，於此我一直都懷抱著欽佩和珍惜的態度。但個人心中還是有些不平，對於用西方戲劇理論來看東方傳統戲曲一事。就本質上來說，這兩種表演藝術著重於不同內涵，然而現代觀眾大多是受西方美學的浸染，理所當然不合「潮流」的傳統戲曲會受到很多衝擊，即便無奈，但這也是變革的契機。
以下就拋開西方「荒謬劇場」的觀點，純粹用一個受到感動的外行觀眾的角度來書寫。
問樵鬧府‧打棍出箱
故事內容很簡單，一位不知道自己已經考上狀元的書生范仲禹，在荒山中急切的尋找失蹤半個多月的妻兒，途中遇見丑角樵夫，得知其妻被當朝大官葛登雲強行擄走、兒子則被獵戶所救。范仲禹因為過於擔心妻兒一路瘋瘋癲癲從荒山鬧到了葛府，又從葛府被丟回荒山，時而瘋癲戲鬧、時而傷心啼哭，故事的結尾處他什麼也沒追回來又再次回到原點，便仰天長嘯緩緩隱沒在林身不知處，彷彿一切從夢中來又回到夢中去。
劇本雖然哲學意味較濃厚，但看來很輕鬆，因為台詞簡單且時常帶有趣味性的重複念誦，在關鍵的時候還會突然蹦出一句現代用語，惹得現場哄堂大笑；演員的動作俏皮、誇張(甩髮、摸鬍、身體顫抖…)，偶爾身分還會跳出舞台和觀眾對話，就是一部十足荒唐的喜劇。看吳興國詮釋的范生，讓我想到魏晉時代的竹林七賢，用直率或瘋癲的行徑來對抗令他愁苦的環境，不同於印象中傳統中國的讀書人，以他為主角，難怪此齣戲雖較為冷門卻又是經典。
說到演員唱念作打的功力，其實我真的分不清楚何謂好壞，唯一可以確認，當下確實是享受在其中的。仔細觀察演員的一舉一動，很多細節都藏在他們的肢體語言中，最令人訝異的是眼睛傳達出來的訊息。范生出場第一幕就是哭，哭自己丟失了妻兒、哭得那麼至情至性，尤其一雙眼睛流露出無限哀戚，光是這一幕就深深唱進人心坎裡。而從頭到尾，范生唯一關心的是和自己失散的家人，功名與否從未過問，這種不同於一般世俗價值觀的張顯，我覺得也是一個可留心之處。
我隔壁坐著一位西裝筆挺的伯伯，也是一個人來看戲，看著看著就突然對我說起演員哪裡沒表現好，雖一知半解我也點頭稱是。想必他是個老戲迷了，中間有些橋段伯伯雙手舉起準備拍手，但見現場無人反應便又將雙手放下，在一旁我不免替伯伯感到無奈，畢竟不懂看京劇規矩的人還是占多數，如果可以我還真想多聽他講講話，而對他們來說不只是戲本身，還有在歷史前進的軸線上添加的故事，想必也同樣令人回味無窮。
p.s:不小心買到第三排的票，沒想到離舞台那麼近…連拿望遠鏡都省了 = ="
2009-10-17
《最美的時刻》
劇名：魏雋展獨角戲《最美的時刻》Derrick Wei × Der Schönste Moment
演出時間：2009/10/17(六) 02:30p.m.
演出地點：國家戲劇院實驗劇場劇團：無獨有偶工作室劇團
演員：魏雋展
原著小說：明夏．科內留斯（Michael Cornelius）
「他知道怎麼編撰其他人的人生，卻不知道如何寫自己的人生。
於是他寫了『母親、餓、性愛、金錢、上帝和狗屎。』
六個字，這就是他的人生，六個字。」
改編自德國作家明夏．科內留斯的同名小說，魏雋展飾演的角色是一位專門替他人編寫自傳的代筆作家，在述說一個又一個故事的同時，也將生命中的虛無和迷惘投射到他人的生命故事中；其餘角色，則是由數個不同的人偶為代表，魏雋展一邊飾演自己的角色，一邊又用聲音扮演人偶，形同一人分飾多角。
此次表演有十足的實驗精神以及創意，融合進許多不同元素。首先就舞台來說，場地正中央用一個巨大的正方形白色木框架出舞台空間，其三面皆環繞觀眾，另一面正對一整面空白的牆壁，依劇情需要會有投影打在牆壁上；人與戲偶的對話也十分有趣(雖說是獨角戲，其實舞台上依然有兩個身穿白色衣褲、頭戴白色面罩的工作人員幫忙操偶、提供道具或扮演情境人物)，角色藉由自己口中說出的話語扮演戲偶，但同時也像借他人之口說出想說的話；利用燈光、音樂或象徵性道具製造出快速轉換的情境，其節奏緊湊也考驗著演員的功力；演出過程中有不少和台下觀眾互動的情節，當框架中的演員突然跳進現實情境時，也製造出一種令人發笑的突兀氛圍。
這是一部帶有極高批判和嘲諷性質的劇本，它嘲諷世人對成功和金錢扭曲的價值觀，而性愛在這之中似乎可以是個慰藉或出口(不曉得作者是否有受到彿洛依德的影響，其對性的趨力和陽具代表男性權力象徵有不少描寫)，它質疑那些找不到真正意義，空活在世界上的軀殼，其實不過就等於虛無。用黑色幽默的方式去質疑，也一路反思回自身，悲觀、墮落、虛假…等負面情緒反覆出現，直到角色最終在扮演他人的過程中崩潰、陷入極度混亂，然後，一切又回到原點。有句令人印象深刻的台詞，至少在舞台上出現了二十次之多：「你是0號還是1號？」、「全世界只有兩種人，一種是1號、另一種是0號。」觀者可以清楚的了解，它想表達的是存在於社會中各種宰制關係。但類似之暗喻，以及過多的性暗示、性愛場面不免讓人會有焦點模糊之感。另外，在劇情中曾出現一個戲偶，是代表和主角調情調得最兇的女助理，其外型除了性器官特別突出明顯外，連整張臉都被製作成兩瓣陰唇的模樣，身為在台下觀看的女性觀眾，這一點真的讓我有些不舒服。
魏雋展在這部獨角戲裡表現十分出色，光是用聲音就能淋漓盡致表現出不同角色的不同性格，且在一來一往的轉換中也很精準進入角色，確實令人眼睛一亮，身為一個七年級新生代演員，我覺得他的表現是十分成熟、並附有潛力的。
p.s：在接近結尾處，有幾分鐘的時間魏雋展全裸演出，擬態蟑螂在爬行的樣子，雖然應該要用藝術的眼光去看待啦…可是還是會有一點害羞捏。(小聲說：他的身材真的不錯!)
2009-10-11
鈴木忠志劇團《大鼻子情聖》
劇名：鈴木忠志劇團《大鼻子情聖》
演出時間：2009/10/10(六) 7:30p.m.
演出地點：國家戲劇院劇團：鈴木劇團
導演：鈴木忠志
進入鈴木劇團的劇場，其實就是踏入了一個標準的跨文化劇場。法國的劇本、義大利《茶花女》的音樂、日本傳統能劇的表演方式，三種不同文化在舞台上撞擊出強大的舞台張力。
導演自述，之所以要改編羅斯丹的《大鼻子情聖》，他想探討為什麼日本人喜愛西哈諾這個角色：「這個主角對自身修養有極高的自尊、自信及優越感，但卻因為他的外貌而有極大的自卑感，因此在男女關係中他放棄主導權，而決心僅擔任應援的角色。這種保持嚮往的感覺或是說極強的自制力表現，提供ㄧ般日本人為了隱藏自己的心跡，而刻意保持距離的美妙心靈解放…」另外，導演也將這自卑感詮釋為某時期的日本人崇尚並且渴望歐洲文化的意識。
全劇都以開滿山茶花的茶田做為背景，一只抵矮的平房以及一棵矗立在舞台右側的枯木，忠實傳達出日本文化中幾項關鍵元素；除此之外，武士刀、傘、燈光變化所製造出的意境貫穿全劇，也是劇中明顯的文化符碼。劇情方面採用類似於劇中劇的方式，主角喬三是一位武藝精湛且文采豐美的劇作家，《大鼻子情聖》正式他臨終前的自述作品。但全劇沒有清楚的分界，所以哪一段劇情是喬三筆下的想像、他的過去、還是現在所發生事，都有賴觀眾自行去判斷。
鈴木劇團頗負盛名的還有所謂的「鈴木演員身體訓練法」，演員們必須聚精會神維持上半身不動，並且將注意力放在下半身的移動和腰部的力量，以致於臉上表情大多是僵硬甚至扭曲的，他們在演出過程中也沒有配戴麥克風，全靠丹田發聲，因此讓其語言的展現有很強的力量。
在九十分鐘的過程裡，我看到的其實是日本文化和其他異國文化的對話；當僵硬著臉的演員用十分孔武有力的語氣說著俏皮的語句(畢竟是《大鼻子情聖》是一部喜劇)；當眾人身著和服用武士刀廝殺的場面背景音樂卻來自《茶花女》；這是一種難以形容的衝突感，而且是絕美的衝突。日本文化在裡面尋找自身的定位點，透過與其它文化的結合，擁有新的面貌其核心又能保有自己。最後一幕，雪白的櫻花漫天灑下，喬三獨自一個人撐著傘，任憑花瓣落在他的肩頭、在傘上…多麼美的意象，更像是一種莊嚴的宣示，在樂章進入最後一個休止符後卻讓觀眾久久無法平息。
而我觀後最大的感觸(關心)，ㄧ方面佩服鈴木導演挑戰跨文化的創作能力(且先不論創新後，是否傳統文化還能完全保有自身的爭議點)，另一方面反思回台灣當代的表演藝術，如果日本文化能以這種方式保留傳統且站上國際舞台讓全世界欣賞，那麼台灣當代的劇團能不能找到自身的出路呢？
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